Lucas Cranach el Viejo

Lucas Cranach el Viejo fue una figura clave del Renacimiento alemánico, capaz de fusionar el retrato cortesano con una visión religiosa que acompañó a la Reforma. Nacido en 1472 en la localidad de Kronach y fallecido en 1553 en Weimar, su vida estuvo inseparablemente ligada al mecenazgo de los príncipes electorales de Sajonia y a la expansión de su taller creativo. Su oficio abarcó la pintura, los grabados y, sobre todo, la difusión de un estilo que marcó una época y dejó una huella indeleble en el arte de Centroeuropa. La vasta trayectoria de Cranach, además de su propio prestigio, se transmite a través de su descendencia y de un conjunto de obras que consolidaron un canon de belleza propio y una capacidad de producción sin precedentes.

Lucas Cranach el Viejo fue una figura clave del Renacimiento alemánico, capaz de fusionar el retrato cortesano con una visión religiosa que acompañó a la Reforma. Nacido en 1472 en la localidad de Kronach y fallecido en 1553 en Weimar, su vida estuvo inseparablemente ligada al mecenazgo de los príncipes electorales de Sajonia y a la expansión de su taller creativo. Su oficio abarcó la pintura, los grabados y, sobre todo, la difusión de un estilo que marcó una época y dejó una huella indeleble en el arte de Centroeuropa. La vasta trayectoria de Cranach, además de su propio prestigio, se transmite a través de su descendencia y de un conjunto de obras que consolidaron un canon de belleza propio y una capacidad de producción sin precedentes.

Biografía

Educación y comienzos

Lucas nació en la ciudad de Kronach, entonces llamada Cranach, en la región de Franconia. Hijo de un artesano pintor, Hans Maler, aprendió el oficio de la pintura desde la primera infancia y heredó de su progenitor un método meticuloso que combinaba la observación minutiosa con una ejecución precisa. Su entorno familiar fue numeroso: tuvo al menos seis hermanas y dos hermanos, y su madre, Barbara Hübner, falleció cuando él tenía cerca de veinte años. Más tarde, adoptaría el apellido de su lugar de origen como señal de identidad artística, una práctica común en su tiempo. En 1502 emprendió una nueva etapa en la corte de Viena, donde la corte imperial reunía a humanistas y artistas deseosos de encajar en un circuito de clientela diversa. Estuvo allí hasta 1504, y durante este periodo es probable que entablara relaciones con posibles patronos y coleccionistas, además de acercarse a figuras destacadas del pensamiento humano de la época. Sus trazos revelan, en estas primeras obras, una influencia marcada por la escuela Danubiana, con un gusto por la observación natural y la representación detallada de la figura humana.

La formación de Cranach se cimienta en la posible influencia de maestros alemanes de renombre, y se estima que pudo acercarse a Matthias Grünewald, quien trabajó en Bamberg y Aschaffenburg, contextos que invitaban a un aprendizaje dirigido por la mezcla de tradición gótica y sensibilidad renacentista. En aquellas ciudades convivían talleres concentrados en la producción de imágenes para iglesias y palacios, una dinámica que influiría en Cranach para convertir su taller en una auténtica fábrica de imágenes. La primera referencia documentada sobre su actividad llega a Wittenberg en 1504, cuando un príncipe de la ciudad le otorgó un salario como pintor decorativo. En ese periodo quedó de manifiesto su arraigo a una ciudad que se convertiría en centro de su vida profesional. se sabe que poseía una casa en la ciudad de Gotha y que, hacia 1512-1513, contrajo matrimonio con Barbara Brengebier, hija del alcalde local. Con ella tuvo varios hijos, que jugarían roles importantes en la continuidad de su legado artístico. La vida familiar de Cranach, marcada por la unión con Barbara y la dedicación al taller, fue el marco en el que se forjó una estirpe de pintores que sostendrían la labor del padre durante décadas.

La casa y el taller de Cranach se transformarían en centros de trabajo activos y dinámicos. El pintor contaba con una vivienda y un taller que funcionaba casi como una pequeña fábrica doméstica, capaz de generar múltiples versiones de una misma composición para satisfacer a una clientela cada vez más exigente. Sus primeras obras, en las que combinaba decoraciones para capillas, retratos y diseños xilográficos, ya anunciaban la amplitud de su técnica, que abarcaba también grabados en madera y en bronce. Con el paso del tiempo, Cranach se convirtió en un referente de la ciudad, al punto de que su firma y su sello personal empezaron a ser identificados en ediciones impresas y proyectos de gran formato.

La consagración regional en la década anterior a 1508 supuso para Cranach un viaje de reconocimiento que lo llevó a Malinas, en las Duradas de los Países Bajos, al servicio de la corte imperial. Este traslado no solo fortaleció su relación con la clientela imperial, sino que también le permitió incorporar elementos de una cultura pictórica tardía que enriquecería su producción. Durante estos años, Cranach firmaba sus obras con sus iniciales, pero en una fecha clave, 1508, adoptó un emblema heráldico que funcionó como firma: una serpiente alada con un anillo en la boca, que se convirtió en el sello de su taller y que se transformaría en una pista cronológica para distinguir etapas de su obra. Este periodo de consolidación lo define como un artista que supo moverse entre las exigencias de la corte y la necesidad de una difusión más amplia de su repertorio.

La producción temprana de Cranach incluye una vibrante serie de grabados y pinturas de altar que ya mostraban su habilidad para dialogar con corrientes internacionales sin abandonar una identidad local. Entre sus encargos destacan retratos de figuras relevantes de la corte y de la vida religiosa de la época, que demostrarían más adelante su capacidad para capturar la psicología de personajes de elevada posición social. El interés por retratar a reyes, príncipes y prelados se combinaría con una curiosidad por la mitología y la iconografía religiosa, que serían dos de las líneas maestras de su carrera. En la década de 1510, Cranach ya era conocido por su dominio de la técnica del retrato realista y por su habilidad para plasmar, en una misma obra, la dignidad de una persona y la intimidad de una emoción contenida. Este conjunto de rasgos le abriría las puertas de un círculo de clientela que aguardaba, con mutua fidelidad, la llegada de nuevas composiciones.

La vida familiar de Cranach tuvo una continuación en el seno de su casa y taller a través de sus hijos, entre los que destacaron Lucas Cranach el Joven y Hans Cranach, quienes heredaron la empresa y asumieron cargos de responsabilidad dentro de la administración local de Wittenberg. El éxito temprano de sus hijos se convirtió en una parte clave de la historia familiar y de la continuidad estilística. La vida personal del pintor estuvo marcada por su matrimonio con Barbara Brengebier y por la crianza de una prole que heredó el oficio y la dedicación a la excelencia. Este nexo entre vida familiar y actividad creativa formó una simbiosis que trascendió las fronteras de la simple producción artística y configuró, en buena medida, la dinámica de un taller que funcionaba como un verdadero motor cultural de la Sajonia renacentista.

Carrera pictórica

La actividad artística de Cranach tuvo un primer impulso a finales del siglo XV y principios del XVI, cuando comenzó a trabajar en múltiples frentes: decoración interior de templos y capillas, pinturas de altares para iglesias, retratos de personajes influyentes y diseños para xilografías y relieves en bronce. Su reputación como pintor de cámara de los príncipes electores de Sajonia se consolidó gracias a un conjunto de encargos que requerían no solo una destreza técnica, sino también una sensibilidad para la representación de la nobleza y de la vida religiosa. En las primeras décadas, Cranach demostró su capacidad para adaptarse a diferentes formatos, desde paneles de pequeño formato para el uso doméstico hasta obras de mayor envergadura para espacios públicos y palacios. Sus retratos, en particular, se distinguían por una mirada directa que transmitía la autoridad y, al mismo tiempo, una cierta humanidad que acercaba la figura al espectador particular.

La innovadora Venus fue una de las líneas más notables de su itinerario creativo. La versión a gran tamaño de Venus y Cupido, pintada hacia 1509, se convirtió en un hito por presentar, por primera vez en el Norte, una Venus desnuda integrada en un marco religioso y humano que combinaba el Renacimiento italiano con una ética y un ideal protestante emergentes. Este conjunto de rasgos marcó un giro en la representación del desnudo femenino, que Cranach trató con un formato que equilibraba la sensualidad con una forma de pudor y una carga simbólica que respondía a un público culto y exigente. A partir de estas imágenes, Cranach desarrolló un conjunto amplio de escenas mitológicas en las que la belleza femenina se convertía en tema de reflexión ética y religiosa, siempre desde una óptica que buscaba la síntesis entre tradición clásica y una sensibilidad germánica de la época. La firma de su obra, ya establecida, invitó a productores rivales y a coleccionistas a reconocer la mano del maestro incluso cuando su taller trabajaba con ayudantes, fenómeno característico de su tiempo y que no restó valor a la calidad de las piezas realizadas en su estudio.

La especialidad del taller fue, desde sus orígenes, la producción de retratos y escenas religiosas de formato intermedio que se ajustaban a la vida cotidiana de la nobleza y de la burguesía emergente. En paralelo se desarrollaron composiciones mitológicas que proporcionaban un espacio para el dibujo de desnudos, siempre dentro de límites que respondían a una lectura moralizante y a un gusto estético específico de la región. Las creaciones del taller se replicaban con variantes, y el propio sello del studio se convirtió en una especie de garantía de estilo, más que de autoría exclusiva. En este marco, los hijos de Cranach, Lucas el Joven y Hans, jugaron un papel decisivo a partir de 1550, asumiendo muchas de las responsabilidades del taller y fortaleciendo la continuidad de la linaje artístico. La evolución de la técnica también fue evidente: las obras tempranas presentaban una gran variedad de veladuras que aportaban profundidad y luminosidad a las superficies, mientras que las producciones posteriores, especialmente tras la entrada de los discípulos en la gestión del taller, mostraron un dibujo más esquemático y un colorido algo menos variado, fruto de una producción en gran escala que exigía rapidez y consistencia. Este cambio cronológico permite distinguir las piezas atribuidas con certeza de las que requieren mayor investigación y contextualización.

Defensa del luteranismo y exilio

La fe de Cranach se transformó con el tiempo, pasando de un catolicismo de rito a un compromiso ferviente con el luteranismo. Este cambio profundo no fue solo personal, sino también artístico, ya que las imágenes y grabados que elaboró ayudaron a difundir la causa reformista y la figura de Martín Lutero y su colega Philip Melanchthon a través de un lenguaje visual accesible para una amplia audiencia. La relación íntima de Cranach con Lutero quedó demostrada en momentos señalados de su vida: fue testigo de la boda del reformador con Catalina de Bora y fungió como padrino del primogénito de Lutero. la actividad del taller incluía grabados que mostraban de forma irónica o crítica ciertas autoridades eclesiásticas, lo que subrayaba una actitud de rebeldía simbólica frente a la jerarquía papal. Aun así, Cranach trabajó para clientes de ambos campos religiosos, católicos y protestantes, lo que demuestra una capacidad de negociación y una voluntad de mantener el contacto con una clientela amplia y diversa. Tras la derrota protestante en la batalla de Mühlberg (1547), el elector Juan Federico I de Sajonia fue arrestado y enviado al exilio en Weimar. Cranach decidió acompañarlo y residió en la casa de su hija Barbara, en la Cranachhaus, hasta su muerte en 1553. Este periodo de exilio marcó el cierre de su larga trayectoria y el inicio de una nueva etapa en la que su figura pasaría a estar asociada con la historia de un linaje artístico que defendería la memoria de Lutero y Melanchthon. Su sepultura, en la Jakobsfriedhof de Weimar, dejó constancia de su reputación como un artista rápido y seguro, capaz de resolver composiciones complejas con una técnica depurada. La lápida, diseñada por un constructor y maestro de obras de la casa ducal, fue trasladada posteriormente para su conservación a la iglesia Herderkirche, manteniendo viva la memoria de su contribución a la cultura alemana del XVI siglo.

El legado de Cranach se consolidó no solo por sus obras aisladas, sino por la red de protegidos y por la continuidad familiar que permitió mantener encendida la taller y la reputación de la ciudad de Wittenberg como centro de aprendizaje y producción artística. En conjunto, su labor y la de sus hijos sostuvieron una influencia que atravesó las fronteras del Santo Imperio, extendiéndose por tierras centroeuropeas y dejando un modelo de taller que otros talleres seguirían durante varias generaciones. La figura de Cranach fue, por tanto, más que la de un pintor destacado: fue la de un artífice que supo convertir la creatividad en una industria cultural y que, con su estilo, convirtió el retrato y la iconografía religiosa en un lenguaje accesible para una sociedad en transformación.

Definiciones y presencia en su obra cristalizó un programa iconográfico que, sin abandonar la tradición religiosa, abría paso a representaciones de la vida cotidiana y a la exploración de la belleza humana desde una óptica que, para la época, era revolucionaria. Sus retratos mostraban a príncipes, princesas y personajes de la Reforma con rasgos que enfatizaban la dignidad personal, la serenidad y, a menudo, un aura de intimidad psicológica. En el expediente de su vida, la colaboración con sus hijos y con otros aprendices resultó ser un factor decisivo para la difusión de su modo de ver la pintura y para la extensión de su sello artístico a lo largo de varias décadas. Esto dejó una impresión duradera en la historia del arte alemán y europeo, al convertir a Cranach en una referencia ineludible para comprender el desarrollo de la pintura renacentista en el norte del continente.

Reconocimientos

• Su nombre figura en el calendario de santos luterano, junto a grandes maestros de la época, como una señal de su aportación a la cultura religiosa y artística de su tiempo.

Controversia en 2008

Un desnudo femenino que representaba a una Venus con adornos y una gasa translúcida fue rechazado por la administración del Metro de Londres por considerar que podría herir la sensibilidad de parte de su público. El cuadro, destinado a anunciar una exposición dedicada al pintor renacentista alemán, iba a formar parte de una muestra organizada por una institución internacional de renombre. Finalmente, la exhibición se realizó entre marzo y junio de 2008, en un contexto de debate sobre la representación del desnudo en el arte clásico y su significado en la modernidad. Este episodio evidenció, de manera contundente, las tensiones entre la preservación museística y la sensibilidad contemporánea ante ciertas imágenes, así como la relevancia de Cranach en el imaginario cultural europeo, incluso siglos después de su muerte.

Obras

La prolificidad de Cranach y su taller se tradujo en una producción de aproximadamente cinco mil obras, de las que alrededor de mil se conservan en la actualidad. El número total de piezas creadas permanece desconocido, en gran parte porque no se ha efectuado un conteo exhaustivo de cada una de sus imágenes. A lo largo de los siglos, el estudio de su obra ha revelado una amplitud de intereses que abarca retratos, narraciones religiosas de formato intermedio, escenas mitológicas y composiciones de tema histórico, todas ellas ejecutadas con una mano que conjugaba precisión técnica y un gusto por la claridad composicional. Los museos españoles, que conservan varias piezas de Cranach, han contribuido a ampliar el conocimiento de su legado. destacando que su presencia se volvió más visible a partir de la apertura de instituciones como el Museo Thyssen-Bornemisza y otras pinacotecas de renombre internacional. En 2012, por ejemplo, se adquirió una notable obra de desnudo femenino que representa a Lucrecia, una adquisición que subrayó la importancia de Cranach en el repertorio de la colección española moderna. En suma, el corpus cranachiano es un conjunto heterogéneo que ofrece una ventana amplia a las prácticas artísticas de su tiempo y a la adopción de una estética que aún hoy inspira a artistas y coleccionistas.

Una selección representativa de sus creaciones, que se citan aquí a modo de muestra, permite observar la diversidad de enfoques y formatos que manejó: desde la Crucifixión temprana hasta retratos de figuras del protestantismo, pasando por escenas mitológicas y composiciones con Venus y Cupido. En los años 1500-1509 se destacan piezas como la Virgen con el Niño y otros retratos que mostraban la intensa exploración de la figura humana. En la década de 1510, la producción se amplió a temas de mayor complejidad y a la realización de retratos oficiales para nobles y clero. La siguiente tanda de años, 1520-1529, ofrece una serie de retratos y composiciones religiosas de gran impacto, que consolidaron su reputación a nivel internacional. A partir de 1530, la atención se orientó a escenas mitológicas decoradas con una delicadeza psicológica que, sin abandonar la precisión formal, permitía una lectura más lúdica de ciertos temas. En los años 1530-1539, su obra se volvió cada vez más ambiciosa y, a la vez, más experimental en el uso de la luz y la composición. Entre las obras destacadas se cuentan La Edad de Oro, Las Tres Gracias, Lucrecia y la famosa alegoría de la Justicia, que combinan belleza, ambición poética y una reflexión ética sobre la condición humana. En conjunto, estas piezas muestran la evolución de un pintor que no dejó de buscar nuevas formas de expresión y que, en cada encargo, sabía dotar a la imagen de un significado que trascendía la mera representación.

La recopilación de fechas y la atribución de algunas obras a la mano del maestro o a la de sus ayudantes han generado debates entre historiadores. En la práctica, el taller funcionaba como una gran maquinaria que, a falta de un único autor, se apoyaba en la mano de Cranach y de sus hijos para garantizar una producción continua y de alto nivel. En este sentido, la autenticidad de ciertas obras se ha discutido, especialmente en las piezas de la última etapa del taller, cuando la colaboración de aprendices y otros colaboradores fue común. Sin embargo, el conjunto de obras atribuidas al Cranach mayor conserva la impronta de una personalidad capaz de imponer un lenguaje visual único, caracterizado por un canon de belleza femenino con rasgos específicos: ojos almendrados, siluetas jóvenes y una particular elegancia en la línea de contorno. Este sello distintivo, que se ve repetidamente en su repertorio, contribuyó a consolidar una identidad artística que perduró incluso después de la muerte del maestro, en una continuidad que se extendió a generaciones posteriores y a distintas tradiciones artísticas europeas.

1500-1509

• Crucifixión, realizada alrededor de 1500, en la ciudad de Viena
• San Valentín asaetado, 1502/03, en Viena
• Crucifixión, 1503, en Múnich
• Dr. Johann Stephan Reuss, 1503, en Núremberg
• Retrato de la esposa del Dr. Johann Stephan Reuss, 1503, en Berlín
• Retrato de Johannes Cuspinian, 1503, en Winterthur
• Retrato de Anna Cuspinian, 1503, en Winterthur
• Descanso en la huida a Egipto, 1504, en Berlín
• El martirio de Santa Catalina, 1506, en Dresde
• El martirio de Santa Catalina, 1508, en Budapest
• Venus y Amor, 1509, en el Hermitage de San Petersburgo
• Christoph Scheurl, 1509, en Wittenberg
• Altar de la Resurrección de Cristo, 1509/10, en Kassel

1510-1519

• San Eustaquio, 1515, en el Museo Liechtenstein de Viena
• Pareja de amor desigual, 1517, MNAC de Barcelona

1520-1529

• El cardenal Alberto de Brandeburgo ante Cristo crucificado, alrededor de 1520, en Múnich
• Adán y Eva, entre 1520-1525, en el Museo Soumaya, Ciudad de México
• Cristo y la adúltera, alrededor de 1520, en Kronach
• Imagen de un joven sin barba, 1522, National Gallery of Art, Washington
• Cristo y la llegada de la muerte, 1524, Augustinermuseum, Friburgo
• Tres damas de alta cuna, 1525/1530, en Viena
• Judit con dos acompañantes, 1525, en Remagen
• La Virgen y el Niño con un racimo de uvas, alrededor de 1525, en Múnich
• Princesa Sibila de Cléveris, 1526, en Weimar
• San Antonio como ermitaño, 1520/25, en Leitmeritz
• Hans Lutero, 1527, en Eisenach
• Hans Lutero, 1527, papel, en Viena
• Magarethe Lutero, 1527, en Eisenach
• Catalina de Bora, alrededor de 1526, en Hamburgo
• Catalina de Bora, 1526, en Eisenach
• Martín Lutero, 1526, en Hamburgo
• Martín Lutero, 1526, en Eisenach

1530-1539

• Las Tres Gracias, alrededor de 1530, Cambridge
• La Edad de Oro, alrededor de 1530, Oslo
• La Edad de Oro, alrededor de 1530, Múnich
• La ninfa de la fuente, 1530, Thyssen-Bornemisza, Madrid
• Johannes Bugenhagen, 1532, en Hamburgo
• Friedrich the Mighty, 1532, Kronach
• Johann the Steadfast, 1532, Kronach
• Johann der Beständige, 1532, Weimar
• Johann der Beständige, 1532, Hamburgo
• Los tres electores de Sajonia, 1532, Hamburgo
• Melancolía, 1532
• La crucifixión, 1532, Indianapolis
• Kurfürst Johann Friedrich von Sachsen mit den Reformatoren, 1532/39, en Toledo
• Venus, 1532, Städel
• Gregor Brück, 1533, en Núremberg
• Venus y Cupido ladrón de miel, 1534, en Múnich
• Lucrecia, 1534, en Bilbao
• Der Hauptmann unter dem Kreuz, 1536, en Washington
• Alegoría de la Justicia, 1537, en Ámsterdam
• La Crucifixión, 1538, Sevilla
• Dos cacerías en el castillo de Torgau, siglo XVI, Prado, Madrid
• La Virgen con el Niño y ángeles, Prado, Madrid
• El niño Dios con San Juan Bautista, 1538-1540, Museo Soumaya, México

1540-1549

• Retrato de un desconocido, alrededor de 1540, Reims
• Duque Ernst IV de Brunswick-Lüneburg, boceto, 1540/45, Reims
• Caridad, 1540, Museo Real de Bellas Artes de Amberes
• Cacería cerca del castillo Hartenfels, 1540, Cleveland
• La Virgen con el Niño y San Juan Bautista, 1540/50, colección privada
• Retrato doble de Lutero y Melanchthon, 1543, Hamburgo
• Martín Lutero, 1543, Berlin
• La fuente de eterna juventud, 1546, Berlin
• Diana y Acteón, 1546, Hartford

1550-fallecimiento

• Altar mayor en Torgau
• Altar mayor en Dessau
• Gnadenbild Mariahilf, Innsbruck
• Altar en la St. Wolfgangskirche, Schneeberg
• Retablo de Weimar

Reconocimientos

• Su nombre figura entre los conmemorados del calendario luterano, junto a maestros del Renacimiento alemán.

Controversia en 2008

Un desnudo femenino de Venus provocó un desencuentro entre la obra y la sensibilidad de la audiencia en el Metro de Londres, que se negó a exhibir la pieza para la publicidad de una exposición. Aunque la crítica esperaba una sorprendente presentación de Cranach, la decisión institucional subrayó los dilemas contemporáneos sobre la exhibición de desnudos en contexto público. La muestra, sin embargo, tuvo lugar en la Royal Academy en fechas cercanas y, a través de esa oportunidad, se consolidó la relevancia histórica de Cranach en el repertorio del Renacimiento alemán.

Obras

El inmenso taller de Cranach dio lugar a unas cuatro mil o más obras, de las cuales una parte considerable se conserva hoy. La magnitud de su producción y la dispersión geográfica de sus piezas dificultan un inventario definitivo, pero el legado es innegable: retratos de corte, escenas religiosas de variado formato y un conjunto de piezas de interpretación mitológica que, en su conjunto, dibujan un retrato completo de su época. En España, la presencia de Cranach y su taller fue creciendo especialmente con la apertura de museos y colecciones que atesoran obras de distintas etapas de su carrera. En 2012, Bilbao adquirió Lucrecia, un ejemplo destacable que subraya la importancia de Cranach en la historia de la pintura europea y su capacidad para explorar la figura femenina en un marco de alta maestría técnica. Este conjunto de adquisiciones y exhibiciones ha contribuido a que la figura de Cranach gane un lugar central en los relatos sobre el Renacimiento germánico y su expansión estética por el continente.

Obras representativas que permiten apreciar la pluralidad de su obra incluyen piezas de las primeras décadas del siglo XVI, que muestran un interés creciente por la comunicación de ideas religiosas y sociales a través de imágenes accesibles para una amplia audiencia. Otros ejemplos se sitúan en la década de 1520, cuando emergen retratos de príncipes y figuras influyentes que, a través de una mirada serena y una ejecución refinada, transmiten la autoridad de una élite que comulgaba con los ideales reformistas. En el periodo de 1530-1539, el pintor alcanza una madurez compositiva que se manifiesta en obras de gran riqueza simbólica y una valoración de la belleza clásica adaptada a un marco de moralidad y de crítica social. Este conjunto de obras, que incluye La Edad de Oro y Las Tres Gracias, evoca una visión del mundo que entrelaza lo divino, lo humano y lo estético en una síntesis que todavía hoy se estudia en cursos de historia del arte.

Interpretaciones y atribuciones de algunas obras de la última etapa suelen sujetarse a criterios de atribución complejos, ya que los talleres de Cranach trabajaban con una red de aprendices y colaboradores que podían intervenir en la ejecución de ciertas piezas. Aun así, la influencia del maestro en la dirección de su taller y en la definición de un programa iconográfico resulta inequívoca, y su firma se convirtió en un sello de calidad que, a través de los siglos, ha sido invocado para entender la evolución de la pintura norte europea. Cranach el Viejo dejó un legado que trascendió su propia generación y dio forma a una tradición artística que, extendiéndose por Alemania y Centroeuropa, definió un periodo esencial de la historia del arte occidental.

1500-1509

• Crucifixión, Viena
• San Valentín asaetado, Viena
• Crucifixión, Múnich
• Dr. Johannes Cuspinian, Núremberg
• Retrato de Anna Cuspinian, Winterthur
• Descanso en la huida a Egipto, Berlín
• El martirio de Santa Catalina, Dresde
• Venus y Amor, Hermitage
• Christoph Scheurl, Wittenberg
• Altar de la Resurrección de Cristo, Kassel

1510-1519

• San Eustaquio, Viena
• Pareja de amor desigual, Barcelona

1520-1529

• El cardenal Alberto de Brandeburgo ante Cristo, Múnich
• Adán y Eva, Ciudad de México
• Cristo y la adúltera, Kronach
• Retrato de un joven sin barba, Washington
• Cristo en el sepulcro, Friburgo
• Diosas y héroes, Viena
• Juicio de Lutero, Hamburgo
• Martín Lutero, Eisenach

1530-1539

• Las Tres Gracias, Cambridge
• La Edad de Oro, Oslo
• La ninfa de la fuente, Madrid
• Judit, Remagen
• Virgen y Niño con uvas, Múnich
• La Virgen con San Juan y el Niño, Madrid

1540-1549

• Caridad, Amberes
• La Virgen con el Niño y San Juan Bautista, colección privada
• Martín Lutero, Berlín
• La fuente de eterna juventud, Berlín
• Diana y Acteón, Hartford

Estatuas y monumentos dedicados

• Cranachhof y un monumento en Wittenberg
• Tabla de homenaje en Cranachhof, Wittenberg
• Medallón en la Iglesia de Todos los Santos, Wittenberg
• Monumento en Zwickau, 1890/91
• Busto en Weimar, 1886
• Busto en Kronach

Calles

• Lukas-Cranach-Straße, Bottrop
• Lucas-Cranach-Straße, Deggendorf
• Lucas-Cranach-Straße, Kronach
• Lucas Cranach Straße, Lutherstadt

Eponimia

El asteroide (8284) Cranach lleva su nombre como homenaje a su significado histórico en el mundo del arte.

Galería

• Descanso en la huida a Egipto
  Descanso en la huida a Egipto
• Una princesa sajona niña
  Una princesa sajona niña
• Johannes Cuspinian
  Johannes Cuspinian
• Philipp Melanchthon
  Philipp Melanchthon
• Catalina de Bora
  Catalina de Bora
• San Jerónimo
  San Jerónimo
• Juan Federico el Magnánimo
  Juan Federico el Magnánimo
• Judit
  Judit
• Salomé
  Salomé
• Crucifixión, 1503
  Crucifixión, 1503
• Anticristo
  Anticristo, grabado, 1521